Wikipedista:Pavouk/Klasická hudba

Dějiny

Hudební notace z anglického misálu z počátku 14. století s hlavou Krista. Katoličtí mniši vyvinuli první formy moderní evropské hudební notace, aby standardizovali liturgii v celosvětové církvi.

Hlavní časové dělení klasické hudby do roku 1900 jsou období staré hudby, která zahrnuje středověké (500–1400) a renesanční (1400–1600) éru, a období tzv. běžné praxe, která zahrnuje baroko (1600–1750), klasicismus (1750–1820) a romantismus (1810–1910). Současná období zahrnuje 20. století (1901–2000), kam patří většina rané modernístické hudební éry (1890–1930), celá vrcholná moderní hudba (polovina 20. století) a první část současné (1945 nebo 1975– současnost) nebo postmoderní hudební éra (1930 – současnost). Dvacáté první století je doposud pokračováním stejné éry a téže současné/postmoderní hudební éry, které obě začaly ve 20. století.

Data jsou zobecněna, protože období a éry se překrývají a kategorie jsou poněkud svévolné, a to do té míry, že některé autority mění terminologii a odkazují na běžnou praxi „éry“ zahrnující barokní, klasicistní a romantické „období“. Například v použití kontrapunktu a fugy, které je považováno za charakteristický rys pro období barokního období (nebo éry), pokračoval Haydn, který je klasifikován jako typický pro klasicistní éru. Beethoven, který je často popisován jako zakladatel romantické éry, a Brahms, který je klasifikován jako romantický, také používali kontrapunkt a fugu, ale romantismus a někdy toužebnost jsou vlastnosti jejich hudby, které definují jejich éru.

Předpona neo- se používá k popisu kompozic 19., 20. nebo 21. století psané ve stylu dřívější éry, jako je klasicismus nebo romantismus. Stravinského Pulcinella je například neoklasickou skladbou, protože je stylisticky podobná dílům z baroka.  

Kořeny

Burgh (2006) navrhl, že kořeny západní klasické hudby leží ve staroegyptské umělecké hudbě prostřednictvím cheironomie a staroegyptského orchestru, který sahá do roku 2695 př. n. l. Vývoj jednotlivých tónů a stupnic provedli starý Řeci jako Aristoxenus a Pythagoras. Pythagoras vytvořil systém ladění a pomohl kodifikovat notový zápis. Starověké řecké nástroje jako aulos (plátkový nástroj ) a lyra (strunný nástroj podobný malé harfě ) nakonec vedly k několika moderním nástrojům klasického orchestru. Předchůdcem raného období byla éra starověké hudby do pádu Římské říše (476 nl).

Počáteční období

Hudebník hrající na vielle ( středověký rukopis ze čtrnáctého století)

Středověká éra zahrnuje hudbu od pádu Říma do asi 1400. Monofonní zpěv, také zvaný cantus planus nebo gregoriásnký chorál, byl dominantní forma přibližně až do roku 1100. První formy moderní evropské hudební notace vyvinuli katoličtí mniši, aby standardizovali liturgii v celosvětové církvi. Polyfonická (vícehlasá) hudba se vyvinula z monofonického zpěvu v pozdním středověku až do renesance, včetně složitějších zvuků motet .

Výňatek z Kyrie "Au travail suis" Johannese Ockeghema,

Řada evropských klasických hudebních nástrojů má kořeny ve východních nástrojích, které byly převzaty ze středověkého islámského světa . Například arabský rebab je předchůdcem všech evropských smyčcových smyčcových nástrojů, včetně liry, rebec a houslí .

Mnoho nástrojů používaných k provádění středověké hudby stále existuje, ale v různých formách. Mezi středověké nástroje patřila flétna, zobcová flétna a drnkací strunné nástroje jako byla loutna. Rovněž existovaly rané verze varhan a houslí (nebo vielle ). Středověké nástroje se v Evropě nejčastěji používaly samostatně, často samostatně doprovázeny drženým zvukem (prodlevou), nebo občas po částech. Od přinejmenším začátku 13. století přes 15. století se nástroje dělily na haut (hlasitý, pronikavý, venkovní nástroje) a bas (tišší, více intimní nástroje). Během raného středověku byla vokální hudba tvořena pro liturgie, převážně gregoriánský chorál, monofonickáou hudbu, používající jedinou, doprovodnou vokální melodickou linii. Polyfonické vokální žánry, které používaly vícenásobné nezávislé vokální melodie, se začaly vyvíjet během vrcholného středovu a začaly převládat koncem 13. a začátkem 14. století.

Mezi významné středověké skladatele patří Hildegarda z Bingenu, Guillaume de Machaut, Magister Léonin, Perotinus Magnus, Philippe de Vitry, Francesco Landini a Johannes Ciconia .

Renesance

Období renesance v hudbě trvalo přibližně od roku 1400 do roku 1600. Je charakterizováno větším využitím instrumentace, vícenásobným propletením melodických linií a použitím prvních basových nástrojů . Rozšířili se společenské tance, takže se začaly hudební formy vhodné jako taneční doprovod. To bylo v této době, že se získal konkrétní obrysy zápis hudby na notovou osnovu a další prvky hudební notace. Tento vynález umožnil oddělení kompozice hudební skladby od jejího přednesu ; bez psané hudby byl přenos ústní a při každém přednesu se měnil. Díky hudební partituře bylo možné uvést hudební dílo bez přítomnosti skladatele. Vynález pohyblivé sazby knihtisku v 15. století měl dalekosáhlé důsledky na uchovávání a přenos hudby.

Ilumenový úvodní list z kodexu Chigi s Kyrie z Ockeghemovy Missa Ecce Ancilla Domini

Během renesance vzniklo mnoho hudebních nástrojů; jiní byly změnami nebo vylepšeními nástrojů, které existovaly již dříve. Některé přežily dodnes; jiné zmizely, tak aby byly znovu vytvořeny, aby se mohla provozovat hudba na dobových nástrojích. Stejně jako v dnešní době nástroje můžeme rozdělit na žešťové, strunné, bicí a dřevěné nástroje. Na žesťové nástroje v renesanci tradičně hráli profesionálové, kteří byli členy cechů, mezi něž patřila posuvná trubka, dřevěná kornoutka, bezklapková trumpeta a barokní pozoun. Strunné nástroje zahrnovaly violu da gamba, rebec, harfu, lyru podobnou harfě, niněru, loutnu, kytaru, citeru, bandora, a orfarion. Mezi strunné klávesové nástroje patřilo cembalo a klavichord . Bicí nástroje zahrnují triangl, brumle, tamburínu, zvony, rachotící nádoby a různé druhy bubnů. Dřevěné nástroje byly dvojitý rákosový šalmaj (raný člen rodiny hobojů ), plátková trubka, dudy, příčná flétna, zobcová flétna, dulcian a krumhorn. Existovaly jednoduché píšťalové varhany, ale byly do značné míry omezeny na kostely, ačkoli existovaly i přenosné typy. Tisk umožnil standardizaci popisů a specifikací nástrojů, jakož i návody na používání.

Vokální hudba v renesanci je známá vzkvétáním stále komplikovanějšího polyfonického stylu. Hlavními liturgickými formami, které vydržely po celé renesanční období, byly mše a moteta s dalším vývojem ke konci, zejména když skladatelé duchovní hudby začali přijímat světské formy (jako madrigal) pro své vlastní kompozice. Ke konci období se objevily rané dramatické předchůdci opery, jako byly monody, madrigalové komedie a intermedio . Kolem roku 1597 složil italský skladatel Jacopo Peri Dafne, první skladbu, které se dnes nazývá operou. Byl autorem také Euridice, první opery, která se dochovala.

Mezi významné renesanční skladatele patřil Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstaple, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Du Fay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Jacques Arcadelt a Cipriano de Rore .

Období běžné praxe

Období běžné praxe (období tónové harmonie) je obvykle definováno jako éra mezi vznikem a zánikem běžné praxe užívání tonality. Termín obvykle pokrývá zhruba dvě a půl století, zahrnující barokní, klasicistní a romantické období.

Barokní doba

Barokní nástroje včetně niněry, cembala, basového violu, loutny, houslí a barokní kytary

Barokní hudba je charakterizována použitím komplexu tonálního kontrapunktu a použitím basso continua, souvislé basové linky. Hudba se stala složitější ve srovnání s jednoduchými písněmi ze všech předchozích období. V canzoně se formovaly počátky sonátové formy, stejně jako formálnější představa o variacích. Tonalita dur a moll jako prostředek pro zvládnutí disonance a chromatismu v hudbě nabývají plného tvaru.

Během barokní éry došlo ke zvýšení popularity hudby hrané na klávesové nástroje jako bylo cembalo a varhany; housle a rodina strunných nástrojů získala podobu, která zůstala dodnes zachovaná. Od dřívějších hudebních a dramatických forem se začala odlišovat opera jako inscenované hudební drama a běžnějšími se staly vokální formy jako byly kantáty a oratoria. Zpěváci poprvé přidávali k hudbě extra tóny.

Do širší praxe se začala uvádět teorie kolem rovnoměrného temperovaného ladění, zejména proto, že umožnilo širší škálu chromatických možností v obtížně naladitelných klávesových nástrojích. Ačkoli Johann Sebastian Bach nepoužíval stejné ladění, jaké běžně má moderní klavír, změny ladění od systému středotónového ladění, v té době běžného, k různým laděním, které způsobily modulaci mezi všemi tóninami hudebně přijatelné, umožnily vznik jeho jeho cyklu skladeb Dobře temperovaný klavír.

Barokní nástroje zahrnovaly některé nástroje z dřívějších období (např. niněra a zobcová flétna) a řadu nových nástrojů (např. hoboj, fagot, violoncello, kontrabas a fortepiano). Některé nástroje z předešlých období se přestaly používat, jako je šalmak, citara, rankett a barokní pozoun. Mezi klíčové barokní strunné nástroje patřily housle, viola da gamba, viola, viola d'amore, violoncello, kontrabas, loutna, theorba (která často hrála part basso continua), mandolína, barokní kytara, harfa a niněra. Mezi dechové nástroje patřila barokní flétna, barokní hoboj, zobcová flétna a fagot. Do žesťových nástrojů náleží cink, naturhorn (přírodní roh), barokní trubka, serpent a pozoun. Klávesové nástroje zahrnovaly klavichord, tangentní klavír, cembalo, varhany a později v období i fortepiano (časná verze klavíru). Bicí nástroje zahrnovaly tympany, vířivé bubny, tamburíny a kastaněty.

Jeden hlavní rozdíl mezi barokní hudbou a klasicistní hudbou, která následovala, spočívá v tom, že typy nástrojů používané v barokních souborech byly mnohem méně standardizované. Barokní soubor mohl zahrnovat jeden z několika různých typů klávesových nástrojů (např. trubkové varhany nebo cembalo), další strunné akordové nástroje (např. loutnu), smyčcové strunné nástroje, dřevěné a žesťové nástroje a nespecifikovaný počet basových nástrojů hrajících basso continuo (např. violoncello, kontrabas, viola, fagot, serpent atd.).

Vokální vývoj barokní éry zahrnoval vývoj typů oper, jako byla opera seria a opéra comique, a souvisejících forem, jakou tvořila oratoria a kantáty.

Mezi významné skladatele této éry patří Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully a Heinrich Schütz.

Nejvýznamnějšími skladateli v českých zemích v období baroka byli Adam Václav Michna z Otradovic, Pavel Josef Vejvanovský, Jan Dismas Zelenka, František Antonín Míča, či Bohuslav Matěj Černohorský.

Klasicismus

Joseph Haydn (1732–1809) namalovaný Thomasem Hardym (1791)

Ačkoli termín “klasická hudba” zahrnuje veškerou západní uměleckou hudbu od středověké éry do současnosti, hudební klasicismus bylo obdobím západní umělecké hudby od 50. let 18. století do počátku 20. let 19. století - éra Wolfganga Amadea Mozarta, Josepha Haydna a Ludwiga van Beethovena.

Klasická éra zavedla mnoho norem kompozice, přednesu a stylu, byla to také doba, kdy se klavír stal dominantním klávesovým nástrojem. Základní složky potřebné pro orchestr staly více standardizovanými (ačkoli rostly s potenciálem širšího spektra nástrojů vyvinutých v následujících stoletích). V komorní hudbě se objevily soubory s až 8 až 10 účinkujícími na uvádění serenád. Opera se dále rozvíjela s regionálními styly v Itálii, Francii a německy mluvících zemích. Vzrostla popularita opery buffa, formy komické opery. Symfonie vznikla sama o sobě jako hudební forma a koncert se rozvinul vyvinut jako prostředek pro ukázky dovedností virtuózního hraní. Orchestry již nepotřebovaly cembalo (které bylo součástí tradičního continua v barokním stylu) a často je vedl houslista první houslista (nyní nazývaný koncertní mistr).

Klasicistní hudebníci nadále používali mnoho nástrojů z období baroka, jako bylo violoncello, kontrabas, zobcová flétna, pozoun, tympány, fortepiano (předchůdce moderního piana) a varhany. Zatímco některé barokní nástroje se přestaly používat (např. theorbo a rankett), mnoho barokních nástrojů bylo změněno na verze, které se dodnes používají, jako například barokní housle (které se staly houslemi), barokní hoboj (který se stal hobojem ) a barokní trubka, ze které se stala regulární klapková trubka. Během klasicismu byly strunné nástroje používané v orchestru a komorní hudbě, jako jsou smyčcové kvartety, standardizovány na čtyři nástroje, které dodnes tvoří smyčcovou sekci orchestru: housle, violu, violoncello a kontrabas. Byly vyřazeny strunné nástroje z barokní éry, jako např. pražcové, zahnuté violy. Mezi dechové nástroje patřil basetový klarinet, basetový roh, klarinet d'amour, klasický klarinet, chalumeau, flétna, hoboj a fagot. Klávesové nástroje tvořily klavichord a fortepiano. Zatímco cembalo bylo stále používáno v doprovodném basovém doprovodu v padesátých a šedesátých letech 18. století, na konci století bylo vyřazeno. Žesťové nástroje zahrnovaly buccin, ofiklejdu (náhrada za basový serpent, který byl předchůdcem tuby) a přírodní roh .

V klasické éře se dřevěné nástroje staly rafinovanějšími. Zatímco nástroje s dvojitým plátkem, jako je hoboj a fagot, se v baroku částečně standardizovaly, klarinetová rodina jednotrubkových nástrojů se široce nepoužívala, dokud Mozart nerozšířil jejich roli v orchestrálním, komorním a koncertním prostředí.

Hlavní skladatelé tohoto období jsou Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri a Johann Nepomuk Hummel, Carl Maria von Weber, Michail Ivanovič Glinka.

Nejvýznamnějšími skladateli v českých zemích, kteří se z velké části prosadili a proslavili ve světě, byly Jan Václav Stamic, Jiří Antonín Benda, František Xaver Brixi, Josef Mysliveček, Jan Křtitel Vaňhal, Leopold Koželuh, Jakub Jan Ryba a Antonín Rejcha.

Romantismus

Hudební romantismus od zhruba první dekády 19. století do počátku 20. století byl charakterizován zvýšenou pozorností k rozšířené melodické linii, jakož i výrazovým a emotivním prvkům, které spojují romantismus s jinými uměleckými formami. Hudební formy se začaly lámat od forem období klasicismu (i když byly kodifikovány), přičemž skladatelé psaly i volné formy, jako jsou nokturna, fantazie a preludia, kde byly ignorovány nebo minimalizovány přijaté myšlenky o expozici a vývoji témat. Hudba se stala více chromatickou, disonantní a tónově barevnější, s napětím (s ohledem na přijaté normy starších forem) při nárůstu počtu předznamení. Umělecká píseň (neboli Lied) dozrála v této éře, stejně jako epické rozsahy Grand opera, vrcholně předčená Prstenem Nibelungův, operním cyklem Richarda Wagnera.

V 19. století se hudební instituce dostaly z kontroly bohatých patronů, protože skladatelé a hudebníci mohli stavět své životy nezávisle na šlechtě. Rostoucí zájem o hudbu ze strany rostoucí střední třídy po celé západní Evropě vedl k vytvoření organizací pro výuku, provádění a uchování hudby. Klavír, který dosáhl své moderní konstrukce v této éře (částečně kvůli průmyslovému pokroku v metalurgii), se stal velmi populární u střední třídy, jejíž požadavky na nástroj pobídly mnoho tvůrců klavíru. Mnoho symfonických orchestrů datuje své založení do této éry. Někteří hudebníci a skladatelé byli hvězdami těch dnů; někteří jako Franz Liszt a Niccolò Paganini naplnili obě role.

Evropské kulturní myšlenky a instituce začaly následovat koloniální expanzi do dalších částí světa. Došlo také ke vzestupu, zejména ke konci éry, nacionalismu v hudbě (ohlasování, v některých případech i politických sentimentů té doby), jak skladatelé jako Edvard Grieg, Nikolaj Rimsky-Korsakov a Antonín Dvořák ve svých skladbách ohlasovali tradiční lidovou hudbu svých domovin.

Dublinský filharmonický orchestr

V romantické době převzal moderní klavír se silnějším, trvalějším tónem a širší škálou převzal roli zvukově jemnějšího předchůdce, fortepiana. V orchestru zůstaly zachovány stávající klasické nástroje a sekce ( smyčcové sekce, dřevěné nástroje, žesťové a bicí nástroje), ale tyto sekce byly obvykle rozšířeny, aby vytvořily plnější a větší zvuk. Například zatímco barokní orchestr mohl mít jen dva kontrabasisty, romantický orchestr mohl mít až deset. "Jak se hudba stávala výrazněji, standardní paleta orchestru nebyla pro mnoho romantických skladatelů dostatečně bohatá."

Rodiny nástrojů používaných zejména v orchestrech rostly; proces, který vyvrcholil na počátku 20. století, s velmi velkými orchestry používanými pozdně romantickými a modernistickými skladateli. Začalo se objevovat širší spektrum bicích nástrojů. Žestě převzaly větší role, protože zavedení otočných klapek jim umožnilo zahrát širší rozsah not. Velikost orchestru (typicky kolem 40 v klasickém období) narostla na více než 100. Například Mahlerova Symfonie č. 8 z roku 1906 byla uvedena s více než 150 instrumentalisty a více než 400 členým sborem. Byly přidány nové dechové nástroje, jako je kontrafagot, basklarinet a pikoly a též i nové bicí nástroje, včetně xylofonu, vířivého bubnu, celesty (zvonu podobný klávesový nástroj), zvonu, a trianglů, velké orchestrální harfy, a dokonce i dechové strojů na zvukové efekty. Od konce 19. století se v některých partiturách objevují saxofony, obvykle vystupují spíše jako sólový nástroj než jako nedílná součást orchestru.

Wagnerova tuba, modifikovaný člen rodiny rohů, se objevuje v cyklu Richarda Wagnera Prsten Nibelungův. Také hraje významnou roli v Symfonii č. 7 E dur Antona Brucknera a je také používána v několika pozdně romantických a modernistických pracích Richarda Strausse, Bély Bartóka a jiných. Kornet se objevoval pravidelně v partiturách 19. století, vedle partu trubky, které byly považovány za méně hbité, alespoň do konce století.

Mezi přední skladatele této éry patří Gioacchino Rossini, Petr Iljič Čajkovskij, Jacques Offenbach, Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Bedřich Smetana, Richard Wagner, Johannes Brahms, Antonín Dvořák, Zdeněk Fibich, Edvard Grieg a Johann Strauss mladší. Gustav Mahler a Richard Strauss jsou běžně považováni za tzv. přechodové skladatele, jejichž hudba kombinuje pozdně romantické a rané modernistické prvky.

20. a 21. století

Modernistická éra

Soubor:Stravinsky picasso.png

Igor Stravinsky od Pabla Picassa, jeho spolupracovníku na baletu Pulcinella (1920)

Modernistická klasická hudba zahrnuje širokou škálu postromantických stylů a zahrnuje pozdně romantické, impresionistické, expresionistické a neoklasické styly kompozice. Modernismus znamenal éru, kdy mnoho skladatelů odmítlo určité hodnoty období běžné praxe, jako je tradiční tonalita, melodie, instrumentace a struktura. Někteří hudební historikové považují hudební modernismus za období sahající od asi 1890 do 1930 ( Károlyi 1994  ; Meyer 1994 ). Jiní se domnívají, že modernismus skončil jednou nebo druhou ze dvou světových válek. Šablona:Harv Ještě jiné instituce tvrdí, že modernismus není spojen s žádnou historickou érou, ale spíše „postoj skladatele; živý konstrukt, který se může vyvíjet v čase“ (Šablona:Harv). Přes jeho pokles v poslední třetině 20. století zůstalo na konci století aktivní jádro skladatelů, kteří pokračovali v rozvíjení myšlenek a forem modernismu, jako je Pierre Boulez, Pauline Oliveros, Toru Takemitsu, George Benjamin, Jacob Druckman, Brian Ferneyhough, George Perle, Wolfgang Rihm, Richard Wernick, Richard Wilson a Ralph Shapey .

Během této doby dominovaly dvě hudební hnutí: impresionismus, který započal kolem roku 1890 a expresionismus, který začal kolem roku 1908. Bylo to období různých reakcí při provokování a reinterpretaci starších etap hudby, inovací, které vedly k novým způsobům organizace a přibližování harmonické, melodické, zvukové a rytmické aspekty hudby a změny estetických světonázorů v těsném vztahu k většímu identifikovatelnému období modernismu v umění času. Rozhodující slovo, které je s ním nejvíce spojeno, je „inovace“. Jeho hlavním rysem je „lingvistická pluralita“, což znamená, že žádný hudební žánr nikdy nezískal dominantní postavení.

V prvních letech modernistického období pokračoval růst velikosti orchestru, který dosáhl vrcholu v prvních dvou desetiletích 20. století. Saxofony, které se objevily jen vzácně během 19. století, se běžně používaly jako doplňkové nástroje, ale nikdy se nestaly trvalými členy orchestru. Přestože se v některých dílech objevují pouze jako sólové nástroje, například orchestrace Mauricea Ravla v Musorgského Obrázcích z výstavy a Symfonické tance Sergeje Rachmaninoffa, byl saxofon zahrnut v dalších dílech, jako je balet Romeo a Julie Sergeja Prokofjeva a mnoho dalších děl jako člen orchestrálního souboru. V některých skladbách, jako je Ravelovo Bolero hrají dva i více saxofonů různých velikostí k vytvoření celé sekce, jako ostatních sekcí orchestru. Euphonium fuguruje v několika skladbách z pozdního romantismu a z 20. století, obvykle hraje části označené jako „tenorová tuba“, např. skladby The Planets Gustava Holsta a Ein Heldenleben Richarda Strausse .

Mezi přední skladatele počátku 20. století patří Igor Stravinsky, Claude Debussy, Leoš Janáček, Bohuslav Martinů, Sergej Rachmaninov, Sergej Prokofiev, Arnold Schoenberg, Heitor Villa-Lobos, Anton Webern, Alban Berg, Paul Hindemith, Aram Chačaturjan, George Gershwin, Béla Bartók a Dmitrij Šostakovič spolu s výše uvedenými Mahlerem a Straussem jako přechodové osoby z 19. století.

Postmoderní / moderní doba

Postmoderní hudba je období hudby, které začalo kolem roku 1930. Sdílí charakteristiky s postmodernistickým uměním - to je umění, které přichází po a reaguje proti modernismu .

Některé autoři více či méně stotožňují postmoderní hudbu se „současnou hudbou“ složenou po roce 1930, od konce 20. století do začátku 21. století. Mezi různorodá hnutí postmoderní/současné éry patří neoromantismus, neostředověk, minimalismus a post minimalismus.

Současná klasická hudba na začátku 21. století byla často považována za součást všech hudebních forem po roce 1945. Pozdějiší generace tento termín nyní správně odkazuje na současnou hudbu napsanou skladateli, kteří jsou ještě naživu; hudba, která se dostala do popředí v polovině sedmdesátých let. Zahrnuje různé variace modernistické, postmoderní, neoromantické a eklekticistické hudby.

Vztah k dalším hudebním tradicím

Populární muzika

Klasická hudba často obsahuje prvky nebo materiál z hudby, která byla populární za života skladatele. Příklady zahrnují příležitostnou hudbu jako je Brahmsovo použití studentských pijáckých písní v jeho Akademické slavnostní předehře, žánry ilustrované Kurta Weillovou Krejcarovou opera a vliv jazzu na skladatele na začátku a v polovině 20. století, včetně Maurice Ravela, jehož příkladem je věta s názvem „Blues“ v jeho sonátě pro housle a klavír. Někteří postmoderní, minimalističtí a postminimalističtí klasičtí skladatelé uznávají dluh populární hudbě.   Četné příklady ukazují vliv opačným směrem, včetně populárních písní založených na klasické hudbě, např. použití Pachelbelův Kánon D-dur od 70. let 20. století (jedna z nejvykrádanějších melodii v rockové hudbě), a fenoménu hudebního crossoveru, kdy klasičtí hudebníci dosáhli úspěchu na populární hudební scéně. V heavy metalu řada sólových kytaristů (hrajících na elektrickou kytaru) včetně Ritchie Blackmoreho a Randy Rhoadse, tvořili své styly hraní podle vzoru barokní nebo klasické instrumentální hudby.

Lidová hudba

Skladatelé klasické hudby často využívali lidovou hudbu (hudbu vytvořenou hudebníky, kteří obvykle nejsou klasicky vyškoleni, často z čistě ústní tradice). Někteří skladatelé, jako Antonín Dvořák a Bedřich Smetana, použili lidová témata k tomu, aby své práci dodali národnostní chuť, zatímco jiní, jako je Béla Bartók, používali specifické motivy, která byla celé vytrženy z původní lidové hudby.

Komercializace

Určité části z klasické hudby se často používají komerčně (buď v reklamě, nebo ve zvukových stopách filmu). V televizních reklamách se z několik pasáží stalo klišé, zvláště úvod Also sprach Zarathustra Richarda Straussa (proslavený filmem 2001: Vesmírný odysea ) a úvodní část “O Fortuna ” z Carminy Burany skladatele Carla Orffa; další příklady jsou „Dies irae“ z Verdiho Requiem, "Ve sluji Krále hor" z Peer Gynta Edvarda Griega, úvodní taktyBeethovenovy symfonie č. 5, Wagnerovu „ Jjízdu Valkyr“ “z Die Walküre, Rimského-Korsakova Let čmeláka ”, a výňatky z Rodea Aarona Coplanda. Několik prací z tzv. Zlatého věku animace přizpůsobilo dění ke klasické hudbě. Pozoruhodné příklady jsou Fantazie Walta Disneye, Tom a Jerryho Johann Mouse a Warner Bros. Rabbit of Seville a Jak to chodí v opeře.

Podobně se filmy a televize často vracejí ke standardním, klišé výňatkům z klasické hudby, které zprostředkovávají vytříbenost nebo bohatství: mezi nejčastěji slyšené skladby v této kategorii patří Bachova Suita pro sólové violoncello č. 1, Mozartova Malá noční hudba, Vivaldiho Čtvero ročních dob, Musorgského Noc na Lysé hoře (dle orchestrace Rimského-Korsakova) a Rossiniho předehra z Viléma Tella. Mediální historik Shawn Vancouror argumentuje, že komercializace klasické hudby na začátku 20. století mohla poškodit hudební průmysl nedostatečným zastoupením. [[Kategorie:Dějiny hudby]] [[Kategorie:Klasická hudba]] [[Kategorie:Údržba:Články s nekontrolovanými překlady]]